Director : Tina Romero
Guion : Tina Romero, Erin Judge
Reparto : Katy O’Brian, Jaquel Spivey, Riki Lindhome, Jack Haven, Cheyenne Jackson, Margaret Cho
Duración : 101 minutos
La película Queens of the Dead surge como una obra singular dentro del cine de comedia y terror contemporáneo. El largometraje, presentado por primera vez en el Tribeca Festival del año 2025, muestra un estilo vibrante que combina humor, dramatismo performático y elementos frenéticos de un apocalipsis zombi. La atmósfera irreverente se mezcla con una puesta en escena cuidada, creando una propuesta cinematográfica que dialoga constantemente con el público. La dirección de Tina Romero, quien enmarca el relato dentro del universo queer y la estética del club nocturno, otorga una identidad visual poderosa y llamativa.
La cinta construye una narrativa dinámica que da espacio a un grupo de drag queens y club kids que se ven obligados a enfrentar una horda de muertos vivientes. El escenario principal es una fiesta gigantesca en un almacén, donde la música retumba y el brillo se mezcla con la rebeldía. En este entorno explosivo aparece una crisis inesperada cuando los zombis irrumpen, lo que obliga a los personajes a unir fuerzas. Surge un conjunto variado de identidades que reflejan un espíritu comunitario lleno de energía, creatividad y una voluntad compartida de supervivencia.
La dirección artística captura una estética que celebra la extravagancia y el glamour propio de los espectáculos drag. La cámara se mueve con fluidez por los pasillos iluminados con luces neón, retratando vestuarios repletos de lentejuelas, maquillaje teatral y una diversidad corporal que enriquece la pantalla. La película considera el espacio nocturno como un refugio donde la expresión libre es fundamental. Sin embargo, el repentino brote zombi destruye la armonía del lugar, generando un contraste narrativo que intensifica la tensión.
El guion se desarrolla con una mezcla equilibrada entre comedia, acción y una serie de momentos emotivos que revelan la humanidad de los protagonistas. Las relaciones entre los personajes se presentan mediante diálogos frescos que transmiten cercanía. A través de estas interacciones se construyen vínculos que cobran peso conforme avanza la historia. La presencia de enemistades previas y pequeños conflictos internos añade dinamismo a un grupo que, pese a sus diferencias, busca mantenerse unido ante una amenaza que supera cualquier rencilla.
Katy O’Brian interpreta a Dre, una figura firme y valiente que aporta serenidad en medio del caos. Su actuación despliega un equilibrio entre fuerza física y una sensibilidad que emerge en secuencias clave. Dre se convierte en un eje narrativo que guía al resto de los personajes cuando el peligro se intensifica. Junto a ella, Jaquel Spivey encarna a Sam, quien representa una energía más emocional. Sam reflexiona en diversas ocasiones sobre su identidad y su deseo de pertenecer a una comunidad que le valore más allá del espectáculo.
Riki Lindhome da vida a Lizzy, cuyo ingenio y astucia permiten resolver situaciones que parecen insuperables. Cada personaje muestra habilidades particulares que enriquecen la historia. Jack Haven interpreta a Kelsey, quien aporta una mezcla de humor físico y un tono protector hacia sus amistades. Cheyenne Jackson, en el papel de Jimmy, despliega un carisma que se complementa con una actuación elegante. Margaret Cho, como Pops, funge como presencia guía del grupo y ofrece algunos de los momentos más memorables del filme.
La fotografía realizada por Shannon Madden destaca por un uso expresivo de la iluminación. El contraste entre zonas sombrías y luces intensas genera una tensión visual que acompaña el suspenso. En los momentos de acción, la cámara enfatiza la cercanía física con los zombis, lo que incrementa la sensación de peligro. En las secuencias más introspectivas, la luz se suaviza para subrayar el estado emocional de los personajes. El resultado es un lenguaje visual coherente que sostiene la atmósfera festiva combinada con un trasfondo inquietante.
El montaje de Aden Hakimi favorece una narración fluida que alterna escenas de ritmo acelerado con momentos de calma reflexiva. Este contraste permite que la trama respire y que el público pueda conectar con los protagonistas. Las pausas narrativas, lejos de reducir la intensidad, realzan la dimensión humana del relato y ofrecen oportunidades para observar las inquietudes de quienes enfrentan una situación extraordinaria.
La música compuesta por Blitz Berlin refuerza el carácter vibrante de la obra. Las piezas musicales incluyen ritmos electrónicos, bases intensas y melodías que evocan ambientes nocturnos cargados de energía. El acompañamiento sonoro amplifica la emoción en secuencias de combate y realza el sentido festivo del espacio club kid. La banda sonora mantiene una presencia constante que acompaña a los personajes en su transformación interna y en su resistencia frente a la adversidad.
La película propone un enfoque que combina la autoexpresión con la supervivencia. Las drag queens y club kids no pierden su esencia incluso en los momentos más difíciles. Sus habilidades para el espectáculo se convierten en herramientas inesperadas para enfrentar a los zombis. La creatividad y el ingenio emergen como armas tan importantes como cualquier objeto físico. La obra transmite una sensación de orgullo comunitario que se mantiene firme ante lo desconocido.
La narrativa se sumerge en la celebración de identidades diversas que, lejos de diluirse por el peligro, se vuelven más fuertes y visibles. El filme construye un espacio donde la identidad queer no es periférica sino central. Los personajes actúan desde su autenticidad, transformando la situación extrema en un escenario que refuerza su valor colectivo. La comunidad presentada muestra afecto, solidaridad y un sentido de pertenencia que sirve como motor emocional de la historia.
El humor se integra de forma orgánica en los instantes más tensos. Las líneas cómicas aparecen como válvulas de escape que equilibran la angustia. Este elemento humorístico no resta seriedad al peligro sino que revela el modo en que los personajes enfrentan la vida. La risa se convierte en una forma de resistencia, una herramienta para sobrevivir tanto física como emocionalmente. El despliegue de humor es uno de los pilares que define la identidad del largometraje.
A medida que avanza la trama, la relación entre los personajes evoluciona de forma convincente. En un principio, algunos de ellos mantienen distancias o diferencias notables. Tras la irrupción de los zombis, cada uno descubre facetas ocultas del otro. Esta evolución fortalece los lazos y otorga un carácter transformador a la historia. Cada integrante del grupo muestra un proceso personal que contribuye al crecimiento colectivo.
La obra evidencia la relevancia del entorno nocturno como un refugio para quienes buscan espacios donde expresarse sin temor al juicio externo. El club se muestra como un microcosmos donde las identidades disidentes pueden florecer. Cuando los zombis irrumpen, el equipo protagonista lucha por defender no solo sus vidas sino ese territorio simbólico que representa libertad, aceptación y pluralidad. La necesidad de proteger ese espacio proporciona profundidad emocional al conflicto.
Las escenas de acción se desarrollan con un ritmo intenso que logra mantener la atención del público. Los movimientos coreografiados adquieren una estética particular que recuerda a los espectáculos drag pero adaptados al combate. La combinación de maquillaje brillante, tacones altos y trajes elaborados con ataques de zombis ofrece una propuesta visual fuera de lo convencional. El cine de terror y la estética performática se fusionan para generar momentos tanto emocionantes como visualmente impactantes.
La historia avanza hacia un clímax donde la unión del grupo se vuelve esencial para enfrentar el peligro final. El almacén convertido en escenario central adquiere una atmósfera caótica cargada de adrenalina. Las luces parpadeantes, los efectos sonoros intensificados y la tensión acumulada construyen un cierre que honra la estética festiva que acompaña al filme desde el inicio. El desenlace deja una sensación de triunfo colectivo que reafirma la fuerza de los vínculos construidos durante la experiencia extrema.
El largometraje deja entrever una crítica social implícita sobre la marginación que suelen experimentar identidades disidentes. Los zombis actúan como una metáfora del rechazo, la violencia simbólica y la amenaza constante a la que se enfrentan muchas comunidades queer. La película no lo expone de manera explícita, pero las capas subyacentes de la narrativa sugieren una lectura en la que la lucha física contra los muertos vivientes simboliza un combate más profundo contra prejuicios y discriminaciones.
La puesta en escena permite apreciar la importancia de los gestos afectivos dentro de la comunidad. Las manos que se entrelazan, los abrazos repentinos y las miradas comprensivas revelan un tejido emocional robusto. El relato presenta la idea de que las relaciones humanas, cuando se construyen desde la sinceridad, pueden sostener a las personas incluso en circunstancias extremas. Este valor humano se convierte en una de las bases que sostienen el mensaje general de la película.
Queens of the Dead ofrece un universo donde la energía del espectáculo se mezcla con la crudeza del terror. La cinta consigue mantener un equilibrio entre ambos géneros sin sacrificar la esencia de ninguno. La comedia funciona como un impulso que dota de ligereza al entorno traumático. El terror se sostiene gracias a la amenaza constante de los zombis que rodean el espacio festivo. La combinación genera una mezcla singular que atrapa al espectador y lo invita a seguir cada movimiento del grupo protagonista.
La riqueza estética destaca en cada escena gracias a la dirección de arte que trabaja con colores saturados, sombras marcadas y texturas llamativas. Los maquillajes, peinados y vestuarios se crean con un nivel de detalle que refleja el compromiso artístico con el universo queer. Las uñas largas, las pelucas extravagantes y el glitter se integran de forma natural en el relato sin restar realismo al entorno apocalíptico. El resultado es una estética híbrida que provoca fascinación visual.
Las actuaciones secundarias complementan la historia con matices interesantes. Shaunette Renée Wilson interpreta a Tiger, quien aporta fortaleza física y una gestualidad imponente. Eve Lindley, como Jane, ofrece una presencia delicada que contrasta con la intensidad del caos general. Karan Brar encarna al oficial Trayvis, cuya rigidez inicial se suaviza conforme interactúa con el grupo. La participación de artistas como Nina West, Tomas Matos, Dominique Jackson y otros rostros reconocibles aporta una dimensión adicional para quienes están familiarizados con el mundo del performance queer.
La cinta transmite una valoración positiva de la diversidad y el poder transformador del arte escénico. Los personajes utilizan sus talentos performáticos como formas de estrategia, liderazgo y expresión personal. Los tacones se convierten en herramientas, los abanicos en armas improvisadas y los movimientos coreografiados en tácticas de defensa. Esta reinterpretación creativa de los elementos del espectáculo genera momentos inolvidables que enriquecen la narrativa.
La recepción crítica ha sido favorable en gran medida. En diversas plataformas se ha elogiado el equilibrio entre comedia y terror, así como la representación inclusiva que respeta y celebra las identidades queer. Las reseñas destacan el dinamismo narrativo, la estética atractiva y la sinceridad emocional que recorre la obra. El público ha mostrado entusiasmo por la propuesta fresca y la energía vibrante que transmite cada uno de los personajes.
La película encuentra su identidad en la unión de elementos culturales y artísticos que dialogan entre sí. La música electrónica se entrelaza con la tensión de un ataque zombi. El maquillaje exuberante se combina con la sangre ficticia. Las voces potentes de los artistas drag se mezclan con gritos de supervivencia. Este entrecruzamiento de registros demuestra la capacidad del cine para unir géneros que parecían distantes y fabricar experiencias narrativas innovadoras.
La obra invita a reflexionar sobre la importancia de la comunidad en tiempos de crisis. Cada personaje, independientemente de su carácter individual, depende del apoyo de los demás para sobrevivir. La solidaridad se convierte en el motor que impulsa la historia y ofrece una lectura emocional que puede conectar profundamente con quienes han encontrado en espacios alternativos un hogar emocional. La narrativa devuelve al espectador una mirada cálida hacia la fuerza de las relaciones auténticas.
La película también resalta el valor de la autoafirmación. Las drag queens del relato mantienen su identidad incluso cuando el miedo podría llevarles a ocultarla. La autenticidad aparece como un acto de valentía que se reafirma en cada secuencia. El filme celebra la libertad de ser y la capacidad de enfrentar el peligro sin renunciar a la expresión personal. El resultado es un mensaje poderoso que puede resonar en aquellos que buscan vivir su vida sin máscaras obligadas por la sociedad.
El tono general de Queens of the Dead combina sensibilidad, humor y acción sin caer en excesos. La narrativa mantiene un ritmo envolvente que mantiene al público atento. La obra consigue construir un relato cargado de emoción que honra las voces de las comunidades queer. La manera en que se representa el compañerismo y la resistencia deja una impresión duradera. La tensión entre la fiesta y el apocalipsis se convierte en un símbolo de la capacidad humana para resistir incluso en los momentos más oscuros.
Gracias a su estilo audaz y su mensaje inclusivo, el filme se posiciona como una pieza destacada dentro del catálogo de terror y comedia del año 2025. La fuerza de su elenco, la solidez de su guion y la creatividad visual muestran una producción que busca renovar las narrativas del género. La obra se abre camino dentro del cine contemporáneo con una propuesta que combina espectacularidad, afecto y un sentido de identidad que deja huella.
